Temat: King of Pop Andy Warhol
Andy Warhol był czołową postacią ruchu pop-art, który zdominował scenę sztuki współczesnej od lat 60. XX wieku. Jego dziedzictwo jest trwałe. W 2012 r. Metropolitan Museum of Art zorganizowało wystawę „Odnośnie Warhola: sześćdziesięciu artystów, pięćdziesiąt lat”, prezentując 45 prac Warhola wraz ze 100 pracami 60 innych artystów stworzonych w odpowiedzi na jego twórczość lub pod jego wpływem. Zaprezentowano prace Jean-Michela Basquiata i Ai Weiwei, które obejmowały całą gamę mediów od obrazów po fotografie.
Wpływ Warhola jest nie tylko w dziedzinie sztuki. W 2014 roku Diane von Furstenberg współpracowała z Andy Warhol Foundation for Visual Arts, aby stworzyć kolekcję kapsułek z okazji 40 lat jej kultowych sukienek z nadrukami z nadrukami prac Warhola, takich jak seria „Flower”, którą rozpoczął w 1964 roku. Wcześniej w 2013 roku Prada użyła tej samej serii do motywów w swojej kolekcji Wiosna / Lato. Oto spojrzenie na wkład Warhola w pop-art i dlaczego jest on nadal aktualny i popularny.
Triple Elvis (typ Ferusa), 1963
Narodziny pop-artu
Pop art to międzynarodowy ruch artystyczny, który rozpoczął się na przełomie lat 50. i 60. XX wieku. Termin został ukuty przez angielskiego krytyka sztuki Lawrence'a Allowaya w 1958 r. W celu odniesienia do popularnych form sztuki, takich jak reklama i film. W Wielkiej Brytanii artyści tacy jak Peter Blake i Richard Hamilton związali się z pop-artem jako ruchem artystycznym. Słynna praca Hamiltona „Co sprawia, że dzisiejsze domy są tak różne, tak atrakcyjne?” (1956) zawiera salon z wycinków z różnych magazynów i zdjęć.
Jednak w Ameryce pop-art, jaki znamy dzisiaj, eksplodował na początku lat 60. XX wieku, kiedy Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist i Tom Wesselmann szybko ustalili tożsamość swoich artystów pop poprzez dzieła sztuki, które ponownie zawłaszczyły przedmioty codziennego użytku w dzieła sztuka.
Oprócz używania produktów konsumenckich jako przedmiotu, pop artyści przyjęli również styl stosowany w ich produkcji lub marketingu. Na przykład Lichtenstein użył kropek Benday - kolorowych kropek, które zostały równomiernie umieszczone w określonym obszarze, często wykorzystywanych w reklamach w gazetach i czasopismach - do wysadzonych ramek z komiksów.
W przypadku Warhola jego powtarzalne sitodrukowe drukowanie obrazów powtórzyło proces masowej produkcji produktów konsumenckich. Artysta powiedział w wywiadzie: „Powodem dla którego maluję w ten sposób jest to, że chcę być maszyną i czuję, że to, co robię i robię jak maszyna, jest tym, co chcę robić”.
Praca Warhola jako artysty komercyjnego utorowała drogę do jego pop-artowego stylu, który nosił dopracowaną estetykę kampanii reklamowych, nad którymi był przyzwyczajony. Po ukończeniu Carnegie Institute of Technology Warhol przeprowadził się z Pittsburgha w Pensylwanii, gdzie się urodził i wychował, do Nowego Jorku w 1949 roku. W latach 50. karierę zawodową pełnił jako artysta komercyjny, tworząc ilustracje modowe dla Bazar harfara oraz inne czasopisma i ekspozycje okienne w domach towarowych, takich jak Bonwit Teller.
Marlon, 1966
Rzeczywiście, Warhol trzymał rękę na pulsie tego, co przemawiało do mas, i zdemokratyzował sztukę piękną dzięki swoim łatwym do zrozumienia dziełom. Warhol stwierdził kiedyś, że widzowie wybrali się na pop-art, ponieważ „wygląda na coś, co znają i widzą każdego dnia”. Ze względu na swoją dostępność pop-art spodobał się szerokiej publiczności tradycyjnie nie zainteresowanej sztuką i został opublikowany już w 1962 r. W czasopismach masowych, takich jak Time and Life.
Ikoniczne dzieła
Najbardziej rozpoznawalnymi dziełami Warhola są „Campbell's Soup Cans” (1962), z 32 płótnami przedstawiającymi ręcznie malowane wersje 32 różnych odmian zupy Campbell's Soup Company. Zostały one po raz pierwszy pokazane w Galerii Ferus w Los Angeles w 1962 roku przez galera na półce, jak gdyby były na półce do kupienia.
Wielość obrazu w pracach Warhola zwróciła uwagę na wszechobecność wybranego obiektu. „100 puszek” (1962) to kolejne wczesne dzieło z puszkami zupy Campbella. Malowany był ręcznie przy użyciu szablonów. „200 banknotów dolarowych” (1962) z serii „Dollar Bill”, obejmujących siatkę banknotów dolarowych 20 na 10, stworzono na podstawie tego samego pomysłu i przy użyciu tej samej metody.
Kolejnym przedmiotem gospodarstwa domowego, który osiągnął status Warhola w rękach, było „Brillo Box”, między innymi kartonowe towary, które Warhol odtworzył jako drewniane rzeźby, drukując swoje opakowania na sklejkach. Zostały one wystawione w Stable Gallery w 1964 roku.
Seria „Śmierć i katastrofa” to mniej nieszkodliwy zestaw dzieł, w tym takie, jak „Pomarańczowy wypadek samochodowy czternaście razy” (1963). Fotografie Warhola przedstawiające na ekranie obrazy tragedii z gazet wielokrotnie na płótnie. Dokonano tego poprzez przeniesienie zdjęć fotograficznie na ekrany, komercyjną technikę graficzną, którą przyjął od końca 1962 roku. Rezultatem były ostrzejsze obrazy niż ręcznie malowane obrazy, które wcześniej wyprodukował.
Seria została po raz pierwszy wystawiona w galerii Ileana Sonnabend w Paryżu i była inauguracyjną europejską indywidualną wystawą artysty. Nawiasem mówiąc, do tej pory najdroższe dzieło Warhola sprzedawane na aukcjach pochodzi z serii, a „Srebrna katastrofa samochodowa (podwójna katastrofa)” (1963) w Sotheby's kosztowała w listopadzie 2013 r. Cenę młota 94 mln USD.
Warhol wykorzystał również zdjęcia gwiazd w swojej pracy, takie jak Marilyn Monroe w „The Marilyn Diptych” (1962) i „Gold Marilyn Monroe” (1962). Trwały urok dzieł popowego artysty widać w cenach, które ściągnęły na ostatnich aukcjach. Christie's New York zaoferował w listopadzie 2014 r. „Triple Elvis [Ferus Type]” (1963) z naturalnej wielkości Elvisem Presleyem w trzech egzemplarzach i „Four Marlons” (1966), reprodukcją kadru z kultowego filmu z 1953 r. Wild One ”z udziałem Marlona Brando. Obie części przyniosły odpowiednio 73 miliony dolarów i 62 miliony dolarów.
Tworząc swoje dzieła przy użyciu gotowych obrazów i systemu drukowania i nakładania kolorów za pomocą przenośnika taśmowego, pojawiły się kontrowersje dotyczące autorstwa jego dzieł, a ich produkcja mechaniczna została przeniesiona do rąk jego asystentów w jego pracowni, trafnie zwanej Fabryką. Zapowiadało to praktykę, jaką wielu współczesnych artystów stosuje zatrudnianiu asystentów artystów, aby ich dzieła opierały się na pomysłach, które wpadli na pomysł.
Fotografowanie i filmowanie życia
W innym proroczym posunięciu Warhol skrupulatnie udokumentował swoje codzienne życie na magnetofonie i kamerze, na długo przed pojawieniem się mediów społecznościowych, takich jak Instagram i stworzenie wpływowych osób. Warhol wyjaśnił: „Zdjęcie oznacza, że wiem, gdzie byłem w każdej minucie. Właśnie dlatego robię zdjęcia. To wizualny pamiętnik ”.
Wśród zdjęć, które wykonał aparatem Polaroid, które nosił ze sobą pod koniec lat 50. XX wieku, były setki, być może nawet tysiące zdjęć ze wszystkiego, od drobiazgów codziennego życia w fabryce po czas spędzony w miejscach takich jak Studio 54 w latach 70. Nic dziwnego, że powiedział kiedyś: „Mój pomysł na dobre zdjęcie jest tym, na którym się skupia, i na sławnej osobie”. Wiele z Polaroidów było strzałami w głowę gwiazd, które pracowały w muzyce, modzie i filmie, a wśród nich były piosenkarka Dolly Parton, redaktorka mody Diana Vreeland i aktor Jack Nicholson.
Campbell's Soup Cans, 1962
Prace Warhola były nie tylko ikoniczne, ale sam stał się ikoną. Na przykład, zamiast nałożyć okładkę Warhola na okładkę ArtForum z grudnia 1964 r., W której znalazł się artysta, na okładce zrobiono mu zdjęcie wykonane przez aktora Dennisa Hoppera, poświadczające jego sławę i jego popowy pop styl sztuki naraz.
Podczas gdy Warhol nadal tworzył prace w swoim natychmiast rozpoznawalnym stylu, takie jak malowana sitodrukiem seria „Mao” w zabawnych zestawieniach kolorystycznych na początku lat 70. XX wieku, zaczął przenosić się w sferę filmową od 1963 roku. Produkował filmy takie jak „Sen” „(1963), w którym znajduje się materiał filmowy przedstawiający przyjaciela śpiącego przez ponad pięć godzin, oraz podobnie statyczny ośmiogodzinny czarno-biały film„ Empire ”(1964), który pokazuje budowanie imperium od światła do ciemności.
To właśnie z „The Chelsea Girls” (1966) Warhol odniósł komercyjny sukces ze swojej pracy filmowej. Różne filmy były odtwarzane na dwóch ekranach jednocześnie z rozmowami i monologami z jego muzami lub osobami, które uznał za interesujące. Nazywano ich supergwiazdami Warhola i spędzali czas w The Factory. Opierając się na przekonaniu, że „wszyscy będą sławni na całym świecie przez piętnaście minut”, zwerbował ich do udziału w swoich dziełach, takich jak ten film, w skład którego wchodzili m.in. piosenkarz i autor tekstów Nico oraz modelka i aktorka International Velvet.
Gold Marilyn Monroe, 1962
Pozostawiając dziedzictwo
Warhol był rewolucyjny w tworzeniu nowych pomysłów na uchwycenie swojego życia jako sztuki. Od ilustrowania, przez malowanie, druk sitodrukowy, po kręcenie filmów, szukał na każdym kroku innowacyjnych sposobów uchwycenia piękna i obcości życia w równych częściach. Jego krąg celebrytów zaprzeczał introwertycznej naturze, która dała mu żywe poczucie obserwacji życia, które przejawia się w jego efektownych wizualnie dziełach, które są poszukiwane do dziś.
Podczas Singapore Art Week 2016 wystawa „Andy Warhol: Social Circus” będzie prezentowana w Gillman Barracks, możliwa dzięki Fundacji Ryan, założonej przez miłośnika przyrody i kolekcjonera sztuki Ryana Su w grudniu 2012 r. W celu promowania ochrony przyrody i edukacji artystycznej , w tym organizowanie wystaw sztuki dla publiczności.
Na wystawie zaprezentowana zostanie największa kolekcja Polaroidów, jaka kiedykolwiek zostanie pokazana w Azji. Około 30 polaroidów, pochodzących z kolekcji Ryana i innej prywatnej kolekcji zagranicznej, podkreśli, kto jest kimś z nowojorskiej sceny celebrytów od lat 60. do 80. XX wieku, w tym samego Warhola, a także Bianca Jagger, Paul Anka i Keith Haring .
Kurator Khim Ong, który ściśle współpracował z Ryanem przy tworzeniu programu, widzi okazję, by zachęcić prywatnych kolekcjonerów do podobnego udostępniania swoich kolekcji publiczności. Mówiąc o wartości wystawianych Polaroidów, zauważa, że ponieważ nie zostały one wykonane wyraźnie jako dzieła sztuki, ale być może jako materiał archiwalny lub źródłowy, mogą zapewnić cenny wgląd w praktykę artysty, która w znacznym stopniu polegała na tworzeniu jego życie jego sztuka.
Art Republik opowiada Ryanowi Su o swojej kolekcji Polaroidów Warhola w ramach jego szerszych zainteresowań kolekcjonerskich, jego pracy z fundacją oraz o tym, co ma nadzieję osiągnąć dzięki wystawie.
Race Riot, 1964
Jak wymyśliłeś tytuł „Andy Warhol: Social Circus”?
Warhol był zalany obrazami popkultury we wczesnych, kształtujących latach.Uwielbiał czasopisma, był świadkiem wprowadzenia telewizji, boomu na głównych ulicach handlowych i zbierał zdjęcia gwiazd. Ta kultura wizualna była ukierunkowana na konsumpcjonizm. Jednak pochodzący z biednej rodziny z Pittsburgha nie mógł w niej uczestniczyć. Jako outsider był obserwatorem, który zaglądał do niego. Później w życiu i w pełnym kręgu otoczyły go gwiazdy, artyści i projektanci mody, gdy jego sława jako pop-artu wzrosła. W The Factory and Studio 54 jego krąg towarzyski poszerzał się z dnia na dzień - obejmując towarzyski, srebrne oprawy ekranu i mieszkańców nowojorskiego podziemia i kontrkultury, takich jak drag queen i narkomanów. Ale dzięki ich shenaniganom, LSD, alkoholowi, rozpuście i sztuce szybko stało się to „cyrkiem społecznym”.
Kiedy zacząłeś interesować się sztuką?
Przez długi czas znajdowałem sztukę, którą interesowałem się zastraszaniem wisi na białych ścianach strzeżonych przez zimnych galerów. Jestem pewien, że wiele osób zainteresowanych oglądaniem sztuki podzieliłoby to samo zdanie. Moje zastrzeżenia okazały się do pewnego stopnia prawdziwe. Niemniej jednak poznałem jednych z najbardziej ciepłych, życzliwych, hojnych i fascynujących ludzi w świecie sztuki. Częścią tego, co sam widzę w The Ryan Foundation, jest przełamywanie granic między światem sztuki a „publicznością”. Robienie takiego show zrobiłoby właśnie to!
Kiedy zacząłeś zbierać? Czy Twoja kolekcja ma konkretny motyw lub temat?
Moja kolekcja sztuki rozpoczęła się przypadkiem w Londynie, gdzie poszedłem studiować prawo artystyczne. Inspiruje mnie natura i zbieram wiele prac, które przedstawiają naturę, nawet w abstrakcyjnej formie - ale czasem się zmieniam. Zbieram prace tylko od niewielkiej liczby artystów. Lubię prowadzić własne badania, zagłębiać się w ich twórczość i stamtąd budować znaczącą kolekcję. Lubię też eksplorować te fragmenty ich dzieł, na które poświęcono niewiele uwagi lub zostały zapomniane. To właśnie ten pośpiech mnie napędza.
Jak doszedłeś do posiadania swoich pierwszych polaroidów Andy'ego Warhola?
Polaroidy Warhola są przekonujące. Społeczne znaczenie autoportretu Warhola Polaroid jest trudne do przeoczenia w tym świecie autoportretów - w którym przenika się narcyzm, adoracja, doskonałość i autoportret.
Pierwszy polaroid nabyłem, kiedy studiowałem w Wielkiej Brytanii. Ale wkrótce potem próbowałem się ich pozbyć i sprzedać, ponieważ nie mogłem ich właściwie utrzymać. W tym czasie nie miałem odpowiedniego miejsca do przechowywania dzieł sztuki i wiedziałem, że zabranie ich z powrotem do Singapuru zniszczy je, ponieważ tropikalny klimat nie był najbardziej idealny. Kilka lat później głęboko żałuję swojej decyzji, aby się ich pozbyć, ponieważ miałem kilka fantastycznych. Teraz, mając odpowiednie miejsce do przechowywania, ponownie zbudowałem kolekcję. Co więcej, teraz mają publiczność!
Portret kolekcjonera sztuki Ryana Su
Jak myślisz, co sprawia, że Andy Warhol jest tak ważną postacią we współczesnej sztuce i kulturze?
Uważam, że bardziej istotnym i ważnym argumentem, dlaczego Warhol jest tak ważną postacią, jest to, że jest wizjonerem. Warhol miał niesamowitą dalekowzroczność. Zajmował się rzeczami i stylami, które ostatecznie stały się trendami. Kto wiedział, że nadruki w kamuflażu podbiją świat mody, selfie będą szaleństwem, a ludzie będą sławni tylko z tego, że są sławni?
Jaka jest ulubiona praca Andy Warhola?
Wśród moich ulubionych na tej wystawie byłyby polaroidy Bianca Jagger. Są rzadkie w tym sensie, że tworzą tryptyk. Piękno Polaroidu polega na tym, że jedynym sposobem na jego „odtworzenie” było zrobienie wielu ujęć - a każdy Polaroid jest wyjątkowy i wyjątkowy, co zostało podzielone w ułamku sekundy. Pokazują obserwatorowi to, co sam Warhol widzi w wielu klatkach, jak przedstawia jego celebrytka, prawie jak animacja. Obrazy o wysokim kontraście utworzone przez aparat Polaroid pomijają niedoskonałości i niedoskonałości - pogłębiając dążenie Warhola do perfekcji i uroku. Polaroidy Bianca Jagger odzwierciedlają jego charakterystyczny styl i technikę. Jest spokojna - jej włosy, twarz i szyja są absolutnie oszałamiające.
Jak powstała ta wystawa?
Miałem pomysł zorganizowania prywatnej imprezy obiadowej, aby towarzyszyć prywatnemu pokazowi, który obejmowałby Warhol Polaroids podczas Singapore Art Week 2016 dla moich gości specjalnych, którzy przylecieliby na targi sztuki i różne wydarzenia. Później postanowiłem zamiast tego zrobić pokaz publiczny. Byłoby wspaniale dzielić się ze wszystkimi tymi polaroidami wykonanymi kilkadziesiąt lat temu i dla ludzi, którzy mają dziś związek z selfie.
Kredyty Story
Tekst przez Nadya Wang
Ten artykuł został pierwotnie opublikowany w Art Republik
Wszystkie polaroidy dzięki uprzejmości Ryan Foundation. Wszystkie pozostałe obrazy graficzne dzięki uprzejmości Andy Warhol Foundation
