Opera Gallery prezentuje prace koreańskich artystów Sung-Hee Cho, Kwangyup Cheon i Kazuo Shiraga na Art Stage Singapore 2018

Sung-Hee Cho, „Cosmic Fog ll”, 2015, 137 x 97 cm, media mieszane

W ostatnich latach świat sztuki był mistrzem współczesnej i współczesnej sztuki koreańskiej. Prezentacja Galerii Opera na nadchodzącej edycji Art Stage Singapore 2018 wskazuje, że światło reflektorów wciąż świeci jasno, a regionalne zainteresowanie tym gatunkiem pozostaje silne.

Podkreślając obrazy koreańskich artystów Sung-Hee Cho (ur. 1949) i Kwangyup Cheon (ur. 1958), prezentacja galerii jest studium w wysublimowanym kontraście i uzupełnieniu. Zarówno Cho, jak i Cheon nawiązują do swoich artystycznych korzeni do Dansaekhwa lub Monochrome Movement w Korei w latach 60. i 80. XX wieku, a ich podróże artystyczne są bardziej podobne. Obaj ukończyli studia podyplomowe na kierunku sztuk pięknych w USA w Pratt Institute w Nowym Jorku; Cho studiowała również w Art Institute of Chicago i Otis / Parsons Art Institute, Los Angeles. Jednak artyści kontynuujący koreański minimalistyczny styl malarski, różniący się stylistycznie i inspiracją, subtelnie mówią o różnych ponadczasowych i współczesnych siłach, które ukształtowały dzisiejszą kulturę koreańską.

Ulepszone powściągliwość ich prac to folia do drugiego dzieła gwiazdy w gablocie Opera Gallery, wczesnego obrazu z 1962 r. Japońskiego mistrza Gutai Kazuo Shiragi (1925-2008). Gutai, japoński powojenny ruch awangardowy założony w Osace w 1954 r., Opowiadał się za oryginalnością i indywidualizmem. Jego członkowie starali się stworzyć nową autentyczną japońską estetykę, która odkupiłaby i przywróciła japońską kulturę bezmyślnemu konformizmowi, który najwyraźniej doprowadził kraj do wojny.

Dzieła Gutai ucieleśniały dosłowne tłumaczenie „konkretności” poprzez bezpośrednią interakcję z wieloma materiałami i procesami fizycznymi. Dążąc do tego, by duch spotkał materię - aby odsłonić „krzyk materii”, jak napisano w Manifeście Sztuki Gutai - nikt nie zbliżył się do Shiragi, który gorliwie tupał stopami na płótnach, a później zawiesił się sufit i pozwól grawitacji i ruchowi kierować różnymi częściami jego ciała podczas malowania.

Kazuo Shiraga, „Untitled”, 1962, olej na płótnie

Namalowany w 1962 roku, kiedy Shiraga po raz pierwszy zaczął eksperymentować ze swoją techniką zawieszenia, „Untitled” uchwycił ten krytyczny punkt zwrotny w swojej praktyce. Nieapologicznie surowy i pulsujący ostrymi śladami jego ciała przesuwającego się i zacierania farby, dzieło jest trzewną siłą w oleju. Pośrodku plama krwistoczerwonej barwy, która jest wyraźnie widoczna w jego twórczości, rozpala myśli o odwadze, przemocy i groteskowej urodzie.

Spośród nich Kwangyup Cheon jest bardziej reprezentatywny dla tendencji Dansaekhwa w swojej estetyce i filozofii. Dansaekhwa, pierwszy ruch sztuki współczesnej w Korei, produkował warstwowe, minimalistyczne obrazy, które poszukiwały koreańskiej esencji poprzez formę, materialność i powtarzalny proces. To, co wyróżnia obrazy Cheona, to ich nienaturalnie płaski wygląd, przypominający tkane tkaniny widoczne pod lupą lub matrycę danych przesyłanych przez ekran. Z daleka są one chłodno abstrakcyjnymi dziełami, które wierzą w ich bardzo męską twórczość; z bliska setki tysięcy jednolitych kropek pomalowanych linia po linii ukazują drobną niedoskonałość człowieka i napięcie.

Kwangyup Cheon, „Omni No. 2”, 2016, 161 x 131 cm, olej i media mieszane na płótnie

Cheon opracował swoją metodę eliminacji wszystkich elementów, ale najbardziej podstawowej formy - kropki - obserwując, jak skupiska małych kropek były dziurkowane w arkuszach przez program komputerowej kontroli numerycznej (CNC) w połowie lat 90. „Dzięki temu procesowi” - mówi - „dzieło sztuki zbliża się do czystości trzech słów kluczowych: materialności, planarności i neutralności”. Niemal jakby dążąc do płaskiej nicości, która mogłaby zaprzeczyć swojemu istnieniu, jego obrazy budzą spokój i stoicką ciszę.

Z drugiej strony prace Sung-Hee Cho są żywymi ucieleśnieniami ducha. Jak wielu artystów inspirowanych Dansaekhwa, takich jak Kim Minjung, koreański papier z morwy lub Hanji jest kluczowym elementem obrazów Cho. Znana z kolaży wykonanych z ręcznie rozdartych kółek pokrytych żywymi pigmentami olejnymi, Cho zawsze starała się zachować i podkreślić cechy materialne Hanji w swojej praktyce. Trójwymiarowy efekt sprawia, że ​​jej kawałki przywołują kwitnące płatki i świeżo opadłe kwiaty, które są przemijające, piękna materia zaledwie tam, tylko na chwilę.

Sung-Hee Cho, „The Star in the Cosmos”, 2012, 227 x 182 cm, media mieszane

W porównaniu z bardziej chłodnym mózgowym charakterem pracy Cheona, praktyka Cho opiera się na ciepłej zmysłowości koreańskiej kultury materialnej. Duży wpływ na jej wybór materiałów i kolorów Hanbok, Tradycyjny koreański strój, który ma intensywność kolorów, ale zachowuje miękką, naturalną wrażliwość. Jest też lekkość i odrobina zabawy w pracach Cho, które nie są często postrzegane w koreańskim minimalistycznym malarstwie, które można przypisać jej dziecięcemu źródłu inspiracji: „Mam silną pamięć Hanbok z mojego dzieciństwa. Kiedy byłem młody, moja matka zawsze nosiła Hanbok i poszedłem za nią do Hanbok kupuj wiele razy.W przeciwieństwie do większości ludzi, moja matka lubiła unikalne kombinacje kolorów i oczywiście moje wyczucie koloru podążyło za nią. ”

Zarówno Gutai, jak i Dansaekhwa byli ruchami w poszukiwaniu narodowej estetyki, która dążyła do ożywienia społeczeństwa i przyspieszenia zmian poprzez sztukę. Prace Shiragi, Cheona i Cho ukazują delikatne zestawienia i synchronizacje kolorów, materii i filozofii, które mówią bogato o współczesnych tradycjach artystycznych i kulturowych w Japonii i Korei.

Więcej informacji na stronie operagallery.com/singapore.

ART REPUBLIK jest oficjalnym partnerem medialnym Art Stage Singapore. Odwiedź nasze stoisko na targach!

Artykuł napisała Rachel Ng dla Art Republik Issue 17.