Do nieskończoności i nie tylko z Jahanem Lohiem
To nie jest bajka. Oto opowieść o Luke'u Skywalkerze Art Republik gwiazda okładki Jahan Loh (ur. 1976), singapurski współczesny artysta obecnie mieszkający w Singapurze; wciąż próbuje znaleźć dom w swoim kraju i prawdopodobnie straciłby rękę, zanim w końcu to zrobi. Jego filozofia sztuki i artysty jest tak prosta i przyszłościowa, jak to tylko możliwe: „Sztuka współczesna odzwierciedla współczesne życie, ponieważ oba się rozwijają. Artyści muszą być wrażliwi na zmiany zachodzące w otoczeniu, ponieważ może to okazać się niebezpieczne, jeśli wyruszą w swoją twórczą podróż nieprzygotowani. Powinni stale rozwijać i modyfikować swoją praktykę oraz nieustannie dążyć do wprowadzania nowych elementów wizualnych w celu stymulowania odbiorców ”.
Jahan uważa, że artysta powinien być przygotowany do pójścia naprzód ze stale zmieniającym się światem, niekoniecznie przełamując tradycję, ale odkrywając go na nowo i zachowując otwarty umysł; chodzi o przyjęcie zmiany, a nie jej zwalczanie; o byciu komercyjnym, ale nie wyprzedawaniu się; o wyrażaniu siebie, a nie deprywacji; o pasji, a nie propagandzie.
Zawsze wędrując po drodze, nie podążając, Jahan odrzucił karierę prawniczą w sztuce, kiedy przyjął stypendium w dziedzinie sztuk pięknych w LASALLE College of the Arts w Singapurze od Singapore Press Holdings (SPH). Pisarka i kuratorka Alexandra Chang pisze we wstępie do książki Jahana, która przedstawia jego artystyczną podróż z 2013 roku i wcześniej, zatytułowaną „Podstawowe instrukcje przed opuszczeniem ziemi” (2013), że „przesadnie koncentruje się na abstrakcji w szkole w czas stał w opozycji do jego zainteresowania ikonami popkultury i formami figuratywnymi. Próbując pogodzić się z ograniczeniami swojej sytuacji, stworzył dzieło, które w swoim programie uwzględniło negatywną ocenę wykładowcy i serię wcześniejszych krytyków, powołując się na Basquiata jako ówczesny wpływ ”.
Palm Boy, 2009
Jahan zwrócił na siebie uwagę Nokii, ale stracił szacunek działu sztuki LASALLE, który ledwo go wyprzedził. Jednak Nokia przyznała mu nagrodę podczas Nokia Regional Awards Show 2000, po podróży grupy, która odwiedziła Singapur, Kuala Lumpur, Tajpej, Pekin, Hongkong i Auckland.
Po ukończeniu LASALLE kontynuował studia, specjalizując się w projektowaniu, i uzyskał tytuł magistra na Uniwersytecie Nowej Południowej Walii, po czym wrócił do Singapuru, aby służyć jako więź stypendialna w oddziale SPH w The Straits Times gdzie pracował jako artysta, tworząc kreskówki i infografiki dla gazety krajowej. Zerwał więź ze SPH w ciągu roku i przeniósł się do Tajpej na Tajwanie w 2002 roku, po tym jak zaoferowano mu pracę, gdzie pracował w MACHI Entertainment pod Jeffrey Huang, dyrektorem kreatywnym firmy.
W Tajpej Jahan zyskał sławę dzięki swoim rysunkom projektu okładki CD Machi (grupy hip-hopowej) i teledysków zespołu. Zdobył kilka tajwańskich nagród muzycznych, w tym okładkę płyty MTV Design of the Year. Po boomie na tajwańskim przemyśle muzycznym założył Invasion Studios w 2004 roku wraz z Jeffem i jego bratem Stanleyem Huangiem, aby projektować okładki albumów i teledyski. Wraz z postępem pobierania plików MP3 i muzyki przemysł odmówił, a Jahan zwrócił się do Invasion Studios w kierunku sztuki i animacji, w tym robienia zabawek winylowych. Jego praca zarówno jako artysta komercyjny, jak i plastyczny / uliczny, stanowiła nowe podejście do praktyk artystycznych na Tajwanie.
Pork Luncheon C, 2011
Jahan jest typem faceta, który bierze i nie bierze życia poważnie. Podąża za swoim instynktem, gdziekolwiek go zabiorą. Wspomina: „Myśląc wstecz, nie sądziłem, że cała sprawa stanie się taka duża… ale wtedy byliśmy jeszcze bardzo małą społecznością”.
W 2005 roku Jahan wyjechał do Nowego Jorku, gdzie współpracował ze swoim idolem z dzieciństwa Johnem „CRASH” Matosem, aby przygotować się do dwóch wystaw ustawionych równolegle w czerwcu 2006 roku. Podczas pobytu w Nowym Jorku Jahan spotkał się również z artystą Fazy 2, która zakończyła się odgrywając kluczową rolę w kultywowaniu tożsamości Jahana jako osoby i artysty.
„Masz azjatycką rację, ale malujesz jak to, co zrobiliśmy w latach 70. Więc gdzie jest twoja tożsamość? Jahan pamięta, że zadał mu fazę 2. „Kiedy to powiedział, naprawdę zmusił mnie do myślenia: to prawda, że jestem Chińczykiem, jestem Singapurczykiem, ale wiele osób w Chinach uważa, że jestem Tajwańczykiem, więc czym jestem? Był taki okres, kiedy naprawdę ciężko myślałem. ”
The Clash, 2013
Alexandra Chang pisze: „Wychodząc z tego doświadczenia… [Jahan] zaczął trzymać pędzel po chińsku mao bi stylizuj i maluj jego scenariuszowe prace czarno-białe, nawiązując do chińskiej tradycji kaligraficznej. A jednak stanowiło to tylko część… pokrewieństwa i skrzyżowania [Jahana] jako artysty trenowanego na ulicach w Singapurze, Tokio i na Tajwanie, a także szkoły artystycznej, ukształtowanego przez artystów graffiti z lat 70. i 80. w Nowym Jorku i jego fala globalnych wpływów oraz międzynarodowe zjawisko kultury zabawek, mangi i komiksów. Po zmaganiu się ze światem sztuki i krajowymi markami graffiti i artysty galerii, designu i sztuki plastycznej oraz własnej tożsamości kulturowej… [Jahan] żył w przestrzeni nakładających się tożsamości z wieloma możliwymi potencjalnymi kategoryzacjami. ”
Następnie, w 2006 roku, jego praca z CRASH była wystawiana na Esplanade w Singapurze, zatytułowana „Collison I” i „Collison II”. Był to pierwszy pokaz sztuki graffiti zorganizowany w oficjalnej instytucji artystycznej w Singapurze. W 2007 roku Loh podpisał kontrakt z Mingart Gallery w Tajpej i poprowadził swoją pierwszą indywidualną wystawę pop-artu w Tajpej w 2008 roku „Cherry Pop II”. Kontrowersyjna wystawa przedstawiała sugestywne nagie obrazy i rzeźby, które przyciągnęły uwagę mediów.
Cherry Pop II, pierwsza indywidualna wystawa pop Jahana w Tajpej w 2008 roku, w Galerii Mingart
„Cherry Pop” to koncepcja, którą wymyśliłem w 1998 r. I zaktualizowałem w 2003 r., Kiedy obrazy, które stworzyłem dla tej serii, były wystawiane na moim pierwszym indywidualnym pokazie w Singapurze. Nie zrobiłem tego tylko po to, aby stymulować lub apelować do moich odbiorców; bardziej osobistym projektem było badanie tożsamości poprzez spektrum emocji ”- wyjaśnia Jahan.
Tajwańscy krytycy uznali go za jednego z kluczowych artystów, który uczynił singapurski pop-art międzynarodowym. Również w tym roku w 2008 roku został wybrany na 8Q-RATE, inauguracyjną wystawę 8Q SAM w Singapurze. Po koncercie odbył roczny urlop naukowy, po czym wrócił w 2009 r. Z solowym koncertem w 798 w Pekinie w Chinach, sponsorowanym przez VANS; wystawa „Wielki Mur” była pierwszą w kraju wystawą sztuki ulicznej.
„Współczesna kultura wizualna obejmuje gamę praktyk w różnych dyscyplinach, branżach i mediach”, mówi Tan Siuli z Muzeum Sztuki w Singapurze. „Być może żaden z nich nie zyskał w ostatnich latach tyle widoczności, co sztuka graffiti, napędzana po części przez rosnącą popularność praktyków, takich jak Banksy i Shepard Fairey, których krytyczne komentarze przesadzają w krajobrazie miejskim, jak przypadkowe spotkania na rogach ulic i ceglane ściany ”.
W 2010 roku Jahan stworzył obrazy i rzeźby ikonicznych popowych postaci jako kolektyw z udziałem Jakuana Melendeza z byłej grupy 360 Toy Group oraz aktora z Hongkongu Edisona Chena, który był znany pod pseudonimem „Etelier des Chene”. Trio nazwało się „Treacherous Treis” i zaprezentowało swoją pracę w Museum of Art & Design w Singapurze. Spośród tych kultowych popowych postaci, szczególnie jego seria „Hello Pussy” (2010), która jest zasadniczo rzeźbami z włókna szklanego o niebieskiej tonacji postaci Hello Kitty, każda otoczona kałużą gorącej różowej krwi.
Alexandra Chang pisze: „Ta rzeźba („ Hello Pussy ”), po wprowadzeniu w ramy szerszego zakresu prac artysty, przypomina jawnie zseksualizowaną kobiecą postać z niebieskiego włókna szklanego w kucki, otoczoną czerwoną plastikową kałużą menstruacyjnej krwi w„ Cherry Pop ” Dziewczyna z serii „Cherry Pop”. W „Hello Pussy” praca przenosi się z prostszego, młodzieńczego spojrzenia na kobiecą seksualność, a zamiast tego sygnalizuje zabawę o niewinności oraz wielowarstwowe i wielopłaszczyznowe punkty widzenia, które artysta jest w stanie zebrać poprzez skompresowanie wielu chwil w jedną klatkę - wszystko to oznacza ikona dzieciństwa przechodząca w dorosłość. ”
Po dziewięciu latach spędzonych na Tajwanie, Jahan przeprowadził się z powrotem do Singapuru w 2011 roku, gdzie stworzył swój serial „Cherry Poke: Reconstructed Philosophies” (2011), który był prezentowany na różnych wystawach, w tym pokazie indywidualnym w 2011 roku na Esplanade w Singapurze oraz pokazie grupowym w 2012 roku zatytułowana „15 minut wieczna”, wystawa Andy'ego Warhola w ArtScience Museum, Marina Bay Sands, Singapur.
„Chciałem zerwać ze starym stylem figuratywnym i stworzyć serię martwych natur, które określają moją narodowość jako Singapurczyka, ponieważ czułem, że po spędzeniu… lat w Tajpej nawet niektóre chińskie magazyny o sztuce piszą, że jestem Tajwańczykiem, ”Mówi Jahan.
Gone to the Dogs, 2013
Następnie w 2013 r. Powstał „Working Class Hero” (2013), w którym Jahan ponownie kontekstualizował ikonografię i popkulturę podczas indywidualnego show w Chan Hampe Galleries w Raffles Hotel w Singapurze. „Bohater klasy robotniczej” wprowadza nowe sposoby rozważania znanych narracji, oddając hołd codziennym niewidzialnym bohaterom poprzez pop i odniesienia religijne, które eksplorują współczesne badanie Singapuru i nie tylko.
„Te ikony zaczerpnięte z mediów nie służą natychmiastowej popularności, ale łączą się w celu ukazania subtelności społecznościowych, aby można je było uczciwie odkryć” - mówi Jahan. „Od superbohaterów walczących o sprawiedliwość w komiksowym świecie do ludzkich bohaterów, którzy na co dzień robią różnicę w prawdziwym świecie… [„ Bohater klasy robotniczej ”jest] zapisem czynów niewidzialnych bohaterów… Dekonstrukcja popularnych ikon w moja nowa seria została wykonana, aby wykonać nie tylko zadanie krytyczne lub filozoficzne, ale także międzygalaktyczne: zmienić postrzeganie rzeczywistości i otworzyć nowe przestrzenie bytu i stawania się; taki, który zagłębia się w możliwość nowych form, nowych ciał i nowych umysłów. ”
W ciągu następnych dwóch lat Jahan opublikował „Podstawowe instrukcje przed opuszczeniem ziemi” (2013), biblię jego twórczości; uczestniczył w czteromiesięcznej rezydencji w ESKFF w MANA Contemporary, Jersey City, New Jersey, USA; zrezygnował z kawalerii; współpracował na zlecenie, w tym z singapurskim sprzedawcą sneaker Limited Edt przy otwarciu ich dziewiątego sklepu, gdzie stworzył naturalną rzeźbę Michaela Jordana o wadze 150 kg zatytułowaną „Full Metal Twenty Three” (2014); i zaczął przygotowywać się do swojej nowej serii „STATIC PARITY:” (TBA).
Od bycia znanym jako „Dazed-J”, kiedy po raz pierwszy zaczął sztukę uliczną na początku lat 90., po posiadanie własnego tagu „jahan-loh” na (prawdopodobnie najpopularniejszej stronie internetowej poświęconej kulturze ulicznej) Hypebeast, Jahan jest artysta wizualny, który jest częściowo z przyszłości, częściowo kontrkulturą, ma techniki i sposób myślenia, który jest częściowo sztuką piękną, częściowo ulicą. Jego praca jest zarówno wysoka, jak i niska, dowcipna, ale nie nadmiernie intelektualna, zabawna, ale smaczna. Od dziewcząt neo-popowych po międzygalaktycznych bohaterów, krzyżowców peleryny i pościgów smoków, świat cudów graficznych Jahana jest pełen popularnych obrazów, przemytych kwasem snów i tajemniczej gry słów.
The Risen 1, 2013
Prawdopodobnie jeden z wiodących artystów Singapuru, reprezentował Singapur w Nowym Jorku, Los Angeles, Glasgow, Melbourne, Japonii, Malezji, Hongkongu, Korei, Tajwanie i Chinach; i współpracował z ogromnymi światowymi markami, takimi jak Nike, Adidas, VANS, Sony i Reebok; z pracami w wielu prywatnych kolekcjach i muzeach na całym świecie. Art Republik telepatycznie dogania swoją dwuletnią gwiazdę tytułową „Mistrz Jedi” (od czasu bycia częścią kolektywu „Guardians of the Garden City” w piątym numerze, Art RepublikWydany w rocznicę), aby wybrać swój mózg na scenie artystycznej w Singapurze i co jest do tej pory.
Miałeś doświadczenie w wielu krajach, takich jak Nowy Jork i Tajwan, jak to jest być artystą w Singapurze? Co sądzisz o scenie artystycznej w Singapurze?
Przebywanie z dala od dekady i powrót do domu, aby założyć studio to prawdziwa podróż. Uświadomiłem sobie, że rząd zbudował ogromną szklarnię, aby rozwijać singapurską scenę artystyczną, w jednym z najdroższych miast na świecie.
W krajach, które pokazałem, rzeczy dzieją się o wiele bardziej organicznie. W ciągu ośmiu i pół roku pracy w Tajpej moja kariera w sztuce rozwijała się organicznie, gdy byłem narażony na działanie sił rynkowych po wejściu na tę dziedzinę sztuki. Kiedy byłem w Tajpej, nie znałem rozległych programów finansowych i infrastruktury sztuki oferowanej przez National Arts Council (NAC) singapurskim artystom.
Wyzwaniem było dla mnie sfinansowanie siebie i przetrwanie jako pełnoetatowy artysta, zarządzający czynszem w studio, kosztami materiałów i niepokojem o różne aspekty utrzymania, ale wydaje mi się, że wszystko stało się z jakiegoś powodu, a te różne niepowodzenia i doświadczenia odegrały udział w kształtowaniu mojej praktyki artystycznej.
Through the Fire, 2011
Nie miałem dochodu przez dwa lata, kiedy byłem w Tajpej, przygotowując się do mojego pierwszego solowego show, a po tym trudnym sezonie zdałem sobie sprawę, że nic nie może się pogorszyć, gdybym mógł przez to przeżyć. Gdy pozostaniesz, aby przetrwać na świecie bez dołączonej probówki, dzięki temu będziesz bardziej odporny i nie tylko przeżyjesz, ale także dobrze prosperujesz.
System grantów jest świetny jako inicjator i dobry system wsparcia dla artystów, aby wykorzystać programy, aby osiągnąć większe wyżyny. Myślę, że dzięki dobremu systemowi wsparcia artyści muszą odkryć się na nowo i myśleć poza naszą lokalną publicznością, budować świadomość i rozwijać działalność za granicą, a także tworzyć niszę. System dotacji jest środkiem, a nie celem. Nie jest dobrze, aby artyści polegali na tym zbyt mocno. Wiele razy, mimo że system grantów został stworzony, aby pomóc artyście w rozwoju, niektórzy artyści są zbyt karmieni łyżką, aby to wsparcie utrudniało rozwój artysty.
Większość lokalnych artystów czuje się przestraszona, kiedy opuszczają szkołę i nie ryzykuje byciem artystą pełnoetatowym. Większość wraca do swojej strefy komfortu, jaką jest nauczanie w szkole. Dzięki pracy dziennej w charakterze nauczyciela nasz lokalny „artysta” rozświetla i tworzy sztukę w niepełnym wymiarze godzin. Nie uważam tego za zdrowy znak, ponieważ obie kariery są zagrożone.
Kreatywność dotyczy nie tylko dzieł sztuki, ale jest holistycznym podejściem do sposobu, w jaki artyści stosują swoje praktyki artystyczne. Często jestem nazywany artystą komercyjnym, ponieważ nie pasuję do tradycyjnej formy bycia „czystym” artystą z abstrakcyjnymi koncepcjami, które tylko nieliczni potrafią zrozumieć. Moja sztuka jest refleksyjnym wyrazem społeczeństwa i kultury konsumpcyjnej, w której dorastałem. Pop-art, który zwykle klasyfikuję moje prace, musi docierać do mas, uprościć abstrakcyjne koncepcje w sympatyczny i estetyczny sposób przyjemne formy, czy to malarstwo, rzeźba, a nawet towary, które czasem uważam za sztukę. Różnica polega na tym, że nadal będę tworzyć i wykonywać moje rzeźby, nawet jeśli nie będą one odpowiadać potrzebom rynku. Nie będę zginał mojej koncepcji ani stylu. Moja sztuka i to, czego chce rynek, może działać równolegle, ale nigdy się nie spotkają.
Na tym polega popkultura; jeśli coś ci się podoba, zwykle chcesz go kupić, więc jestem zdezorientowany przez purystycznych artystów, którzy opisują moją sztukę jako komercyjną, kiedy są tak powierzchowni, aby oceniać sztukę na podstawie jej estetyki. To tylko pokazuje, jak krótkowzroczny może być człowiek, który spędza całą karierę, przeżywając w szklarni osłoniętej od żywiołów. Wielcy mistrzowie, tacy jak Salvador Dali, podejmowali się współczesnych zleceń, a nawet zaprojektowali logo Chupa Chups. Wielcy tacy jak Picasso, Gaudi i Andy Warhol mieli stopę w komercyjnym świecie, ponieważ ich sztuka jest aktualna. Wydaje się to jednak trudne do zrozumienia dla kuratorów i artystów tutaj w Singapurze. Nasz rynek sztuki jest dość młody z przyspieszonym wzrostem infrastruktury i targów sztuki.
Sztuka jest kluczowym instrumentem dla Singapuru, by stać się pierwszym krajem na świecie. Niematerialna wartość sztuki jest kluczowym elementem wypychania sztuki do projektu Singapuru jako rozwiniętego globalnego miasta.Na Tajwanie przeciętna tajwańska klasa średnia jest umieszczona w kanapkach i mają ją znacznie trudniej niż Singapurczycy. Jednak sposób, w jaki postrzegają sztukę - jest to część ich życia, widoczna w ich ekspresji, jak się ubierają, jak upiększają swoje domy, na co dzień - Tajwańczycy przyjmują i przyjmują ten styl życia. Niestety czuję, że w Singapurze sztuka nie miała czasu na rozwój organiczny; a budowa może potrwać dekady.
Czego nam brakuje w Singapurze, aby to osiągnąć?
Mamy świetne galerie i muzea, ale niestety brakuje nam treści i oprogramowania do wypełnienia tych instytucji. Treść nie wypełnia przestrzeni, ale w rzeczywistości przyciąga odbiorców, którzy chcą zobaczyć dzieła. Myślę, że jest miejsce dla bardziej wnikliwych kustoszów, którzy znają aktualną sztukę i rozumieją lokalną sztukę, a także posiadania większej liczby zagranicznych kuratorów z zachodu, aby dać nową perspektywę naszej sztuce, ponieważ trudno jest nam spojrzeć z perspektywy trzeciej osoby widoku. Uważam również, że potrzebujemy doświadczonych artystów jako nauczycieli, którzy mogą przygotować studentów do kariery artystycznej.
Jakie wrażenie ma singapurska scena artystyczna w Nowym Jorku?
Nie jestem pewien, co myślą, ale większość nowojorczyków nadal uważa, że Singapur jest częścią Chin…
PARYSTYCZNOŚĆ STATYCZNA (podgląd)
Opowiedz nam więcej o wszystkich ważniejszych współpracach artysty.
Myślę, że współpraca zawsze jest interesująca, ponieważ łączy artystów lub organizacje, aby stworzyć coś nowego. Wydaje mi się, że najbardziej interesująca była dla mnie praca z Johnem „CRASH” Matosem w pierwszym zinstytucjonalizowanym pokazie street art graffiti w Singapurze, co było dość istotne, ponieważ CRASH był jednym z założycieli tej formy sztuki i pionierem nowojorskiego graffiti, który wystawiany wraz z Andym Warholem, Jean-Michelem Basquiatem i Keithem Haringiem. Innymi interesującymi współpracami były marki handlowe, takie jak Adidas, Vans i Reebok, które dały mojej sztuce platformę do pokazania i wyrażenia na zupełnie innym medium. Miałem swój pierwszy pokaz solowy w Pekinie sponsorowany przez VANS i cieszyłem się, że ludzie, którzy oglądali ten program, nie byli tylko ludźmi ze środowiska artystycznego, ale młodzieżą, która normalnie nie wchodziła do galerii. Nadal wierzę w sztukę dla szerokiej publiczności i niezależnie od tego, czy dostają moją koncepcję na wystawie, przynajmniej są na nią narażeni.
Wydaje się, że rośnie tendencja, że artyści nie są już tymi, którzy faktycznie tworzą swoje dzieła. Zamiast tego po prostu wpadają na pomysły i każą innym ludziom tworzyć swoje dzieła, zwłaszcza rzeźbiarskie. Jako artysta, który tworzy wiele rzeźb, co o tym sądzisz? Czy postrzegasz to jako problem? Czy bierzesz również udział w tym procesie? Jednocześnie opowiedz nam o swoim procesie artystycznym.
Myślę, że to postmodernizm w pełnym rozkwicie… śmierć autorstwa. Jestem bardzo zajęty sobą, robię wszystkie moje obrazy sam, co odpowiada mojej niskiej produktywności, ponieważ mam tendencję do obsesyjno-kompulsywnego traktowania moich obrazów, aż w końcu zostaną rozwiązane. Moje rzeźby są przedłużeniem mojego nastoletniego hobby do robienia zabawek w skali 1/6, a umiejętności samouka, które nabyłem, a następnie rzeźby z figur na głowie, skłoniły mnie do stworzenia mojej sztuki w 3D od 2007 roku w Tajpej. Cztery miesiące zajęło mi stworzenie mojej pierwszej rzeźby „Cherry Pop” naturalnej wielkości, która zaczęła się od maquette. Ostatnio pracuję więcej z metalem i przekazuję proces odlewania do odlewni, która pomaga wykonać formę i odlewać rzeźby z brązu.
Opowiedz nam o swojej najnowszej serii io czym ona jest.
„STATYSTYCZNY PARITY:” to seria, nad którą teraz pracuję, i została opracowana podczas mojej rezydencji artystycznej w ESKFF w MANA Contemporary.
„STATYSTYCZNY RODZAJ: GENESIS”: Poszukiwanie prawdy i wiedzy przez człowieka zawsze ogranicza się do wielkości naszego mózgu. Wszechświat jest zawsze w stanie statycznej parytetu i stałej równości. Poszukiwania pochodzenia człowieka można znaleźć w tekstach religijnych zarówno z judaizmu, jak i chrześcijaństwa. Nawet we współczesnej nauce nie da się stworzyć życia z nie-życia, więc skąd my, ludzie? Wewnętrzna esencja człowieka zbudowana jest z wyższej, duchowej energii, a także energii, z której rozwinął się materiał. Masa sprawia, że tylko jakaś materialna widoczna osłona tej energii. Ze względu na swoją wyższą moc, duchowość może wpływać na niższe energie, do których również należy materiał, i może go kontrolować. Ludzie, którzy osiągnęli doskonałość w jakiejkolwiek dziedzinie życia, powiedzieli, że wszystko jest stworzone przez siebie.
Z moich studiów i interpretacji Adama i Ewy staram się stworzyć ich duchową aurę w tym momencie, w którym upadł człowiek.
Kredyty Story
Tekst przez Marc Wong
Ten artykuł został pierwotnie opublikowany w Art Republik
