Wywiad: Uji „Hahan” Handoko

Ur. 1983 w Kebumen, Uji „Hahan” Handoko rozpoczął pracę na Wydziale Sztuk Pięknych Indonezyjskiego Instytutu Sztuki w Yogyakarcie. W obfitującym w wydarzenia roku 2008 został finalistą w pierwszej dziesiątce nagrody Sovereign Art Prize i podjął się programu rezydencji artystycznej National Art Studio w Seulu w Korei. Niektóre z jego bardziej płodnych programów to ArtJog14, Jogjakarta (2014); 7. Triennale Sztuki Współczesnej Azji i Pacyfiku (2012); National Gallery of Indonesia, Dżakarta (2011); Galeria Primo Marella, Mediolan (2011); Korea International Art Fair, Seul (2010); Forum Kedai Kebun, Yogyakarta (2010); Biennale Jogja X, Yogyakarta (2009) i Havana Biennale, Kuba (2009).

Zawsze opisywane w zapierającej dech w piersiach przymiotnikach: odważny, bezczelny, niecodzienny, zbuntowany, punk… Artysta multidyscyplinarny charakteryzuje się energiczną, dociekliwą energią - zawsze pytającą, zawsze przekraczającą granice tego, co możliwe. Jednym z głównych aspektów jego pracy jest dwoistość między postrzeganiem „wysokiej sztuki” i „niskiej sztuki”. Zakopując realizm warstwami po dramatycznych zdobieniach, jego dzieło stanowi zerwanie między urbanizacją a agraryzmem, Wschodem i Zachodem, lokalnym i globalnym. Hahan wdraża swój film, inspirowany muzyką street-pop w idiosynkratyczny język wizualny, który łączy się jako buntownicza potyczka na płótnie - odważne kolory, które ma znany talent do rozlewania swoich konturów. „Kolorowanie poza liniami” zwiększa ruch i spontaniczność charakterystyczne dla jego twórczości.

Trinity Series, 2015

Prawdziwy artysta popowy, nieustannie poszukuje sposobów na urzeczywistnienie swoich pomysłów - od bycia piosenkarzem w awangardowym zespole artystycznym punk-punk punkasila; odrzucenie płótna, eksperymentowanie w niekonwencjonalnych mediach i podłożach; wplatanie złożonych, odzwierciedlających meta społeczno-politycznych zagadnień w „mało wymagające”, a jednocześnie skomplikowane kompozyty; współpraca przy linii odzieży z australijską wytwórnią surferską Hurley International, po jego determinację, aby jego sztuka była jak najbardziej dostępna dla jego społeczności - Hahan wydaje się przewodzić przewrotowi sam. Art Republik dogania buntownika artysty, aby zobaczyć, co jest grane.

Twoja praca łączy różne wpływy - film, muzykę i kulturę uliczną w odrębny język wizualny. Czy narracje i historie są czymś, o czym myślisz w swojej praktyce?

Każdy z wymienionych przez ciebie wpływów ma inny język opowiadania pomysłu. Jeśli połączę tylko formę wizualną i sposób jej użycia, nie może się ona od siebie różnić. Co więcej, chcę kopać pod powierzchnią, w tym jej tło kulturowe i społeczne, a następnie połączyć to z moim własnym punktem widzenia, aby stworzyć własny język wizualny.

Ludzie scharakteryzowali twoją pracę jako ciągłą walkę między sztuką „wysoką” i „niską”, problemami biegunowości między Wschodem a Zachodem, lokalną i globalną - co cię interesuje w dualnościach?

Należę do pokolenia, które początkowo miało bardzo ograniczone źródła informacji, ale teraz dzięki internetowi i globalizacji mamy większy dostęp do informacji z zachodu na wschód - granica między sztuką „wysoką” i „niską” stała się zamazany i hybrydowy. W tej chwili jestem w tej pozycji i staram się odzwierciedlać to, co dzieje się dzisiaj poprzez moje dzieła. 

Jeden za wszystkich, wszyscy za jednego… .Sprzedane (widok szczegółowy), 2014.

Jak dorastanie w Indonezji wpłynęło na twoje podejście do swoich perspektyw i sztuki w ogóle?

Wierzę, że każde miejsce lub kraj ma swoje cechy, które świadomie lub nie, ukształtują cechy charakterystyczne artysty. Wiele czynników w Indonezji, na przykład nierówny rozwój fizyczny i podział dochodów, tarcie lokalnej tradycji i globalnej kultury w erze ujawnień, a zwłaszcza rozwój infrastruktury artystycznej, mają duży wpływ na kształtowanie mojego punktu widzenia i ogólnego myślenia . W szczególności w związku z infrastrukturą sztuki wizualnej, chociaż nie ma etapów ani poziomów tworzenia artystów, a także niewystarczającego wsparcia rządowego, indonezyjscy artyści stają się bardziej zmotywowani do myślenia nieszablonowego i eksperymentowania. 

Wspomniałeś wcześniej, że rezydencja twojego artysty w Seulu jest kluczowym punktem twojego życia, który dał ci przekonanie, że jesteś artystą współczesnym. Jak tam było, jak wpłynęło na ciebie miasto i czym różni się od Indonezji?

W tym czasie Indonezja, a zwłaszcza Jogja… możliwość bycia rezydentem artystycznym za granicą była wielką i luksusową okazją. To dlatego, że rekomendacja i link były tak rzadkie i trudno było o nie konkurować, nawet z bardzo uznanymi artystami. Dla mnie stał się to punktem wyjścia, który przekonał mnie i zmotywował mnie do kontynuowania kariery artystycznej.

Oprócz artystów i ich dzieł Seul wywarł na mnie również wrażenie dzięki stworzeniu infrastruktury sztuki wizualnej, która uzyskała aktywne wsparcie ze strony rządu i sektora prywatnego. To naprawdę otworzyło mi oczy jako artysta. Moje prace i praktyki artystyczne były wówczas daleko w tyle za tym, czego tam doświadczyłem i co widziałem, a jeszcze bardziej poczułem się po spotkaniu z dyrektorem Leeum, Samsung Museum of Art.

Spotkałem go z rówieśnikiem, który był ze mną w rezydencji. Najpierw zapytał mojego przyjaciela, pochodzącego z Indii, skąd pochodzi, i od razu wspomniał o „Anish Kapoor” jako znajomym nazwisku. Potem zwrócił się do mnie, zadając to samo pytanie, ale szybko przeprosił, że nie znam żadnego znanego indonezyjskiego artysty. To utkwiło mi w pamięci i jest dużą częścią tego, dlaczego staram się eksperymentować i wyróżniać się. 

Krajobraz uniwersalnych problemów, 2016

Powiedz nam więcej o swojej pracy w indonezyjskim kolektywie punk rockowym Punkasila. To nie jedyny zespół, w którym jesteś, prawda?

Punkasila został zainicjowany przez Daniusa Kesminasa (artysta z Melbourne) w jego programie rezydencyjnym z Asia Link przez Cemeti Art Foundation w 2005 roku. W tym czasie myślałem, że to tylko tymczasowy projekt, ponieważ po pierwsze celem było po prostu zaproszenie i współpraca z kilkoma artystami wizualnymi (w tym ze mną) w ramach zespołu rockowego, co zaowocowało naszym albumem „Acronym Wars”. Ale potem stała się kolektywem sztuki, który zaczął zapraszać spoza świata sztuk wizualnych. Teraz działa od 10 lat.

Inne moje projekty muzyczne, które powstały wspólnie z różnymi przyjaciółmi, to „Czarna wstążka”, która powstała w 2004 roku, badając hałas za pomocą analogowego magnetofonu i syntezatora DIY; „Hengky Strawberry” powstało w 2007 roku, przechwytując kolejną falę muzyki elektronicznej i indonezyjskiej kultury rave; „Spectakuler” powstał w 2010 roku, co było efektem współpracy „Czarnej Wstążki” i „Demi Tuhan” z Woto „Wok” Wibowo; „Anusapatis” powstało w 2011 roku, łącząc muzykę elektroniczną i szybki styl grindcore; oraz „N.E.W.S” utworzony w 2013 r., która jest grupą wokalną, która zareagowała na tekst kuratorski lub dowolny tekst rozpowszechniany na scenie artystycznej. 

Sober Generation, 2013

Jaki jest dla Ciebie tryb pracy? Czy zawsze jest inaczej, w zależności od charakteru medium?

Właściwie moja metoda pracy jest zawsze taka sama. Nie ma różnic między mediami. Zwykle zaczyna się od pomysłu lub koncepcji, potem koncepcji, a na ostatnim etapie wyboru medium. Każdy rodzaj medium ma swoją wartość polityczną i myślę, że właściwy wybór medium najlepiej wzmocni koncepcje i pomysły. Różnice w metodzie pracy mogą się pojawiać, ale nie z powodu różnych mediów, a raczej ze względu na różne zaangażowanie innych, pracujących jako indywidualny artysta lub kolektyw. A kiedy pracuję jako część kolektywu, pojawiają się dodatkowe kroki, takie jak dyskusja w grupie i wspólny proces decyzyjny. 

Czy humor jest ważną częścią twojej pracy?

Mieszkając w Indonezji pod rządem, który nie rządzi się wzajemnością i napędza niestabilny system społeczny, oczywiście humor staje się ważny, szczególnie dla mnie, aby móc dostrzec problemy w społeczeństwie i przekazać moje pomysły moim odbiorcom. 

Wiadomo, że wolisz mieć swoją pracę w miejscach publicznych i że twoja praca jest dostępna dla każdego. Czy to dla Ciebie ważne, pozwalając ludziom odczuwać ekscytację, podziw i podziw ze sztuką, bez doświadczenia lub informacji, które są od nich wymagane?

To naprawdę nie ma znaczenia. Uważam, że każdy, niezależnie od pochodzenia, ma swój własny sposób na cieszenie się dziełem sztuki, z doświadczeniem lub bez wcześniejszych informacji. To dla mnie podekscytowanie przestrzeniami publicznymi, w których pojawią się bogate i nieprzewidywalne perspektywy. Dla mnie ważne jest również to, że sztuka powinna tworzyć nowe przestrzenie negocjacyjne dla społeczeństwa. 

Lucky Country Series # 2, 2013

Jesteś obecnie ambasadorem marki Hurley International w branży surfingu i odzieży ulicznej. Czy ta współpraca z Hurley była czymś, co zawsze chciałeś robić?

Mam też własną linię ubrań i artykułów, które założyłem na drugim roku w szkole artystycznej. Częścią mojej strategii jest ułatwienie dostępu do sztuki, aby mogła dotrzeć do większej liczby osób. Od tamtej pory współpracuję.

Dzięki Hurley mają duże doświadczenie we wspieraniu sceny sztuk wizualnych i nie mam interwencji z ich strony w mój proces twórczy. Co więcej, Hurley nie tylko wykorzystuje moje dzieła na swoich produktach, ale także wspiera moje inne wysiłki artystyczne indywidualnie i zbiorowo, jak w przypadku Ace House.

Ważną rzeczą w dzisiejszym świecie sztuki, szczególnie w Indonezji, jest odkrywanie nowych możliwości poza istniejącym sposobem sztuk wizualnych i znajdowanie nowych sposobów na rozpowszechnianie wiadomości. 

Co oznacza dla ciebie piękno? Zazwyczaj masz tendencję do „kolorowania poza liniami”, celowo powodując bałagan w pracy lub pozornie niepełny. Czy chaos cię urzeka?

Zawsze lubię celowy błąd. To jak pokazywanie ograniczeń nas jako istot ludzkich. Dla mnie piękno nie polega na doskonałym wyniku, chodzi raczej o proces sięgania po tę doskonałość. 

Float of the line, 2016

Co sądzisz teraz o ekspresji artystycznej, cenzurze i ogólnym stanie politycznej poprawności na świecie?

Cenzura nie powinna nawet istnieć, a ponadto powinna pochodzić od innych ludzi. Istnieje tylko względy, które pochodzą od nas samych, nawet jeśli wpływ na nie ma inny. Ale decyzja jest podejmowana przez nas i to jest wyraz artystyczny.

Ta historia została po raz pierwszy opublikowana w Art Republik.